Топ 40 книг для дизайнера интерьера
Я выписала 148 книг по дизайну интерьера, отсеяла “литературу для домохозяек” и осталось примерно 40 чудесных базовых книг, которые можно назвать крепкими кирпичиками интерьерного дизайна.
Базыма Б. А. — Психология цвета. Теория и практика
Автор книги «Психология цвета. Теория и практика» — Борис Алексеевич Базыма, кандидат психологических наук. Он — специалист в области цветовой психологии, с глубоким интересом к связи цвета и психики, цветовой символике, психодиагностике (особенно тесту Люшера) и межкультурным аспектам восприятия цвета.
О сути психологии цвета:
«Наука, для которой [влияние цвета на человека] может считаться основным, называется, может быть не совсем удачно, психологией цвета. Её предметом являются взаимосвязи цвета и психики.»
О магическом значении цветов у первобытных народов:
«Белый для них — символ бытия, мира, жизни.»
«Черный — антитезис белого, противоположная сторона жизни.»
«Сила — главное значение красного, и этим объясняется его роль в качестве магического средства.»
О триаде цветов как универсальном архетипе:
«Цветовая триада — это не только архетип человека… но и архетип человеческого общества.»
О древнеиндийском взгляде:
«Свет и тьма (белый и черный) понимались как единство, тьма являлась инобытием света.»
О христианской символике:
«Белый не имеет в Христианстве отрицательных значений… он остаётся незыблемым символом святости, чистоты и духовности.»
«Красный в Христианстве символизирует кровь Христа, пролитую ради спасения людей.»
Об эпохе Ренессанса:
«Цвет, спускаясь с “горних” высот, начинает всё больше становиться символом человека, его чувств, мыслей и отношений…»
О Гёте и его влиянии:
«Гете считал, что цвет… оказывает известное воздействие… на душевное настроение.»
«Отдельные цвета вызывают особые душевные состояния.»
О восприятии цвета:
«Если смотреть сквозь желтое стекло, то ‘глаз обрадуется, сердце расширится, на душе станет веселее’…»
«Синий как бы влечет за собой, ‘уходит’ от человека… создает странное, невыразимое воздействие.»
О политическом символизме XX века:
«‘Пролетарский красный’ по своему содержанию, скорее, трагичен, чем радостен.»
«Чёрный с красным — цвета ‘красного террора’ и политических репрессий…»
«Белый… представляет собой сердцевину ‘белого движения’.»
Иоханнес Иттен — Искусство цвета
Иоханнес Иттен — швейцарский художник, теоретик цвета и преподаватель школы Баухаус, чьи новаторские исследования восприятия и гармонии цвета оказали огромное влияние на искусство, дизайн и архитектуру XX века.
🔷 1. Цвет — это ощущение, а не просто физика.
«Цвет — это не только физическое явление, но и душевное переживание». Иттен подчеркивает, что восприятие цвета субъективно и связано с психологией. Он различает объективный цвет (физическая длина волны) и субъективный цвет (наше восприятие и ощущение).
🔷 2. Существует семь контрастов цвета
Одна из ключевых систем Иттена — семь цветовых контрастов, каждый из которых оказывает разное визуальное и эмоциональное воздействие:
Контраст по цвету (основные, чистые цвета)
Светлотный контраст (светлый/тёмный)
Холодно-теплый контраст
Контраст дополнительных цветов
Контраст насыщенности (чистый — приглушённый)
Контраст цветовых площадей (пропорций)
Симультанный контраст (влияние соседних цветов друг на друга)
«Каждый цвет окружает себя своим дополнительным цветом».
🔷 3. Цвет как выражение личности
«Каждый человек, по его любимому цвету, по его манере их комбинировать, может быть охарактеризован». Иттен предлагал использовать анализ характера через цвет. Он даже проводил эксперименты, где студенты выбирали цвета по настроению, и это отражалось в их композициях.
🔷 4. Теплые и холодные цвета
«Холодные цвета удаляются, тёплые приближаются». Иттен подробно разбирает пространственное восприятие цвета: тёплые кажутся ближе, холодные — дальше, что важно для композиции и интерьеров.
🔷 5. Цвет и форма
Он связывает основные цвета с формами:
Жёлтый — треугольник
Красный — квадрат
Синий — круг
«Каждому основному цвету соответствует характерная форма». Это утверждение — синтез идеи Баухауса, объединяющего искусство и геометрию.
🔷 6. Цвет как инструмент композиции
«Цвет не украшение. Это основной выразительный элемент искусства». Иттен утверждает, что цвет не должен использоваться случайно — он строит целостную систему, где каждый элемент цветового сочетания влияет на эмоциональное восприятие.
🔷 7. Обучение через практику
Он был педагогом Баухауса, и его методика — через эксперименты, ощущения, наблюдение:
«Чтобы понять цвет, его надо не только изучать, но и чувствовать». Он просил студентов смешивать краски, подбирать гармонии, чтобы почувствовать внутреннюю логику цвета.
Мишель Пастуро — Синий. История цвета
Мишель Пастуро — французский историк и медиевист, один из ведущих специалистов по символике и культурной истории цвета в Европе.
Вот подборка ключевых цитат из книги Мишеля Пастуро «Синий. История цвета»:
Средневековые правила красильщиков
«В средние века мастера… специализировались на одном цвете… смешивание красок… считалось дьявольской вещью… вместо этого искали естественный источник нужной краски…»
История цвета — это история общества
«Потому что история цвета — это всегда история общества. … цвет — явление прежде всего социальное. … общество “производит” цвет, даёт ему определение и наделяет смыслом, вырабатывает для него коды и ценности…»
Молчание античности о синем
«Через несколько тысячелетий… синей пришлось дожидаться своей очереди очень долго… возможно, поэтому… синий так долго оставался на втором плане… по сравнению с красным, белым и чёрным… символика синего была слишком бедна…»
Древние греки и римляне + римский траур
«Видели ли синий цвет древние греки…? …филологи… для определения синего чаще всего используют два слова “glaukos” и “kyaneos”…»
«В Риме синюю одежду не любили… символизировала траур… голубоглазый мужчина считался женоподобным… смешным.»
Возвышение синего в Средние века
«…в XIII веке красный и синий начнут противопоставлять друг другу… и это противопоставление просуществует до наших дней.»
«…с 1140‑х годов он [синий] вторгается во все формы художественного творчества, становится цветом Христа и Девы Марии, потом цветом королей и князей… уже к 1300‑м годам он… стал любимым цветом европейцев…»
Трансформация Богоматери
«…одеяние Богоматери многократно меняло цвет: сначала чёрное, затем в XIII в. — небесно‑синее, в XVII в. — позолоченное, и только в 1880 году — белое… четыре слоя краски… уникальный документ истории…»
Японская эстетика: матовость важнее цвета
«Японцу… важнее другое: матовый это цвет или блестящий. В восприятии японца этот аспект — решающий.»
Альберс Дж. — Взаимодействие цвета»
Это одна из важнейших книг по цвету в дизайне и искусстве. Джозеф Альберс — художник, педагог и теоретик цвета, преподаватель Баухауса и Йельского университета, оказавший колоссальное влияние на современное искусство и дизайн своими экспериментами с восприятием цвета.
1. Цвет — относителен
«Цвет обманщик: он почти никогда не бывает тем, чем кажется.»
Альберс подчёркивает, что восприятие цвета зависит от контекста — соседних цветов, освещения, фактуры. Один и тот же цвет может казаться разным в разных условиях.
2. Цвет — не просто зрительное восприятие, а опыт
«Видение цвета — не механическое воспроизведение того, что есть на самом деле. Это опыт, который мы приобретаем через сравнение и сопоставление.»
Он учит, что понимание цвета приходит через практику, через наблюдение взаимодействий, а не через запоминание теорий.
3. Учиться цвету можно только через делание
«Цель этого курса — развить в студентах глаз для цвета. А глаз можно натренировать только через практическое действие.»
Альберс предлагает воспринимать цвет как навык: тренировать восприятие нужно через упражнения — выкладывать цвета, сравнивать, пробовать.
4. Одновременный контраст — ключ к восприятию
«Один и тот же цвет может вызывать два совершенно разных ощущения в зависимости от того, в каком окружении он находится.»
Он показывает, как один цвет может казаться теплее, холоднее, светлее или темнее — просто из-за фона. Это ядро книги — взаимодействие цветов, а не их изолированные свойства.
5. Цвет и иллюзия — инструменты художника и дизайнера
«Иллюзия — не ошибка, а инструмент. Только через иллюзию мы видим, как цвета взаимодействуют.»
В этом смысле Альберс призывает ценить визуальные иллюзии как основу восприятия цвета, а не как недостаток восприятия.
6. Не верьте теории, верьте глазу
«Ни одна теория цвета не сможет заменить опыт личного наблюдения.»
Он критикует «формулы» и «гармонии» в палитрах и настаивает, что обучение должно идти не от схем, а от экспериментов и сравнений.
7. Параллели с музыкой
«Цвет можно сравнить со звуками в музыке: значение имеет не отдельная нота, а звучание во взаимодействии.»
Цвет — как аккорд: важно, как он звучит вместе с другими.
И.В. Гёте «Учение о цвете»
Книга Иоганна Вольфганга фон Гёте «Учение о цвете» («Zur Farbenlehre», 1810) это одна из самых необычных и поэтичных работ о цвете, противопоставленная научной оптике Ньютона.
Иоганн Вольфганг фон Гёте — немецкий поэт, мыслитель, натуралист и художник, автор «Фауста» и множества научных трудов, чьё «Учение о цвете» стало манифестом чувствующего восприятия в противовес механистической науке.
🌈 Основные мысли из книги И.В. Гёте «Учение о цвете»
1. Цвет рождается на границе света и тьмы
«Цвета суть деяния света и деяния тьмы.»
Гёте считал, что цвет возникает не как свойство света, а как результат взаимодействия света и тьмы — через восприятие глаза.
2. Цвет — это психологическое, а не физическое явление
«Глаз нуждается в темноте, как и в свете. Только между ними он живёт.»
В отличие от физиков, Гёте сосредоточен на восприятии цвета, на том, как мы его видим и переживаем, а не на спектрах и измерениях.
3. Цвет влияет на душу
«Цвета действуют на душу. Они возбуждают, успокаивают, воодушевляют, поднимают настроение.»
Он впервые глубоко исследовал эмоциональное воздействие цвета — его психологию, что сильно повлияло на художников, дизайнеров, архитекторов.
4. Цвет — активен, и каждый имеет свой характер
«Жёлтый несёт в себе свет, ясность, радость… Синий вызывает чувство холода, отстранённости, бесконечности.»
Гёте даёт характеристики каждому цвету, как если бы это были личности — и показывает, как они взаимодействуют.
5. Послесвечение и контраст — ключ к пониманию цвета
«Если долго смотреть на ярко-красное, а потом перевести взгляд на белое, появится зеленоватый след — цвет, противоположный красному.»
Гёте объясняет явления дополняющих цветов через опыт и зрительное восприятие.
6. Противопоставление теории Ньютона
«Ньютон разрушил свет, я же хочу его вновь собрать.»
Гёте резко критиковал ньютоновскую оптику за механистичность и сухость. Для него цвет был живым и душевным феноменом, а не абстрактным измерением.
Рудольф Арнхейм — «Искусство и визуальное восприятие»
Эта книга — фундаментальная работа по психологии искусства и зрительного восприятия, особенно полезна дизайнерам, художникам и архитекторам. Рудольф Арнхейм — немецко-американский психолог, теоретик искусства и философ, один из первых, кто соединил психологию восприятия с анализом искусства. Его книга «Искусство и визуальное восприятие» стала классикой визуального мышления.
Основные мысли из книги Рудольфа Арнхейма «Искусство и визуальное восприятие»
1. Восприятие — это мышление
«Видеть — значит не просто получать зрительные сигналы. Видеть — значит интерпретировать, осмыслять.»
Арнхейм утверждает, что восприятие — это не пассивный процесс, а активное мышление, и зрительное искусство строится на этом осмысленном восприятии.
2. Форма и смысл неразделимы
«Форма — не оболочка, а носитель смысла. В искусстве нельзя отделить содержание от формы, потому что форма есть содержание.»
Он подчёркивает, что в визуальном искусстве нет абстрактной “идеи”, независимой от её воплощения. Композиция, ритм, симметрия — это не просто украшения, а язык смысла.
3. Гештальт-принципы — основа зрительного восприятия
«Мы не видим части — мы видим целое. Мы воспринимаем структуру, а не сумму элементов.»
Арнхейм опирается на гештальт-психологию: мозг стремится к целостности, упрощению, завершённости образа. Это объясняет, почему в дизайне важно единство, баланс и ясная структура.
4. Восприятие стремится к равновесию
«Каждая композиция воспринимается как система сил. Мы ощущаем напряжение, равновесие, направление — как будто изображение живо и подчиняется законам гравитации.»
В композиции важна визуальная гравитация — зритель ощущает вес форм, линий, пятен и их уравновешенность на плоскости.
5. Искусство — это язык восприятия
«Искусство делает видимым то, что иначе осталось бы невыраженным.»
Арнхейм рассматривает искусство как форму знания и понимания — не словесного, а визуального. Оно не иллюстрирует реальность, а раскрывает её структуру через форму.
6. Не только художники, но и зрители мыслят визуально
«Человек — не только логическое, но и визуальное существо. Мы думаем глазами больше, чем привыкли считать.»
Он призывает развивать зрительное мышление — способность анализировать, чувствовать и понимать формы, ритмы, пропорции.
И.В. Гёте «Учение о цвете»
Книга Майкла Уилкокса «Синий и жёлтый не дают зелёный» (Blue and Yellow Don’t Make Green) это практическая книга для художников.
Майкл Уилкокс — художник, преподаватель и автор, создатель метода «разделённого цветового круга». Его книги помогли тысячам художников по всему миру обрести контроль над смешением красок и научиться создавать яркие и чистые цвета.
🟩 Основные мысли из книги Майкла Уилкокса «Синий и жёлтый не дают зелёный»
1. Классическая теория цвета — неточна
«Нас учили, что синий и жёлтый дают зелёный. Но на практике это почти никогда не работает.»
Главная идея книги — опровержение традиционной трёхцветной модели (красный, синий, жёлтый). Уилкокс показывает, что смешение “любого” синего и “любого” жёлтого не даст яркий зелёный — только приглушённый или мутный.
2. Все краски имеют скрытые оттенки — примеси
«Не существует абсолютно чистых цветов. Каждый цвет имеет свой оттеночный сдвиг — тёплый или холодный.»
Например, ультрамарин — это синий с фиолетовым оттенком, а кадмиевый жёлтый — с лёгким красным подтоном. Эти скрытые подтоны мешают получить чистые смеси.
3. Нужно использовать «разделённое цветовое колесо»
«Для чистых смесей необходимо работать с двумя версиями каждого основного цвета — тёплой и холодной.»
Уилкокс предлагает вместо трёх цветов использовать шесть:
- тёплый и холодный жёлтый
- тёплый и холодный синий
- тёплый и холодный красный
Такой подход позволяет предсказуемо смешивать чистые вторичные цвета.
4. Нейтральные и грязные цвета — результат неверных сочетаний
«Грязные, серые цвета получаются не потому, что вы ошиблись в пропорции. А потому, что вы взяли краски с несовместимыми оттенками.»
Книга даёт практическое объяснение, почему многие смеси оказываются «грязными», даже если всё сделано «по правилам».
5. Секрет чистого зелёного — в подборе правильного синего и жёлтого
«Если вы хотите получить яркий зелёный, вы должны использовать синий и жёлтый, оба из которых смещены в сторону зелёного.»
Например, лимонный жёлтый + фталоцианиновый синий дадут яркий зелёный. А вот кадмиевый жёлтый + ультрамарин — мутно-оливковый.
6. Контроль над цветом — ключ к мастерству
«Когда вы понимаете, какие цвета участвуют в смеси, вы получаете власть над палитрой.»
Уилкокс показывает, что художнику нужно знать направление оттенка каждой краски, чтобы уверенно получать нужные цвета.
Иоганнеса Иттена «Искусство формы»
Иоганнес Иттен — швейцарский художник, педагог и теоретик, один из ключевых преподавателей Баухауса. Его подход объединил восточную философию, европейский модернизм и глубокий анализ восприятия цвета и формы.
«Искусство формы» — это учебник по визуальному мышлению и поэтика художественного языка.
Основные идеи книги Иоганнеса Иттена «Искусство формы»
1. Форма — это язык, говорящий через ощущение
«Форма — это застывшее движение, видимый отпечаток внутреннего импульса.»
Иттен подчёркивает, что форма — не геометрия, а энергия, проявившая себя визуально. Через формы человек выражает чувства, идеи, напряжение, спокойствие и ритм.
2. Образование художника начинается с анализа формы
«Форма — первооснова художественного мышления. Кто не понимает форму, не может управлять ни цветом, ни пространством.»
В Баухаусе Иттен первым делом учил студентов строить, разбирать и чувствовать формы — от линий и точек до объёмов. Это «грамматика искусства».
3. Гармония формы — это равновесие и ритм
«Художественная форма гармонична, когда она удерживает напряжение между покоем и движением.»
Он учит, что визуальное равновесие создаётся как в природе — через динамическое равновесие, а не статичную симметрию. Гармония — это баланс сил.
4. Противоположности рождают выразительность
«Все выразительные формы строятся на контрастах: острое и тупое, лёгкое и тяжёлое, гладкое и шероховатое.»
Контраст — универсальный принцип композиции. Иттен рассматривает его как способ активизировать восприятие и вызывать эмоции.
5. Природа — главный источник формообразования
«Всё живое формируется по законам целесообразности и красоты.»
Иттен советует наблюдать формы в природе — лист, раковину, росток, волну — как основу для осознания органических ритмов и пропорций.
6. Форма — это не абстракция, а переживание
«Художественная форма не измеряется линейкой. Она измеряется внутренним резонансом.»
Он предлагает развивать восприятие формы не как «знание», а как переживание, как музыкальный слух.
Ольга Голубева — «Основы композиции»
Ольга Голубева — преподаватель композиции, цель которой помочь художникам развить собственное художественное видение, вести композиционный замысел через форму, цвет, фактуру и гармонию.
Книга — учебник, допущенный Минобразования (2001), хорошо иллюстрированный и с большим количеством практических упражнений .
🧩 Основные идеи из «Основ основ композиции»:
1. Форма — ключевой элемент композиции
«Помимо пятен и линий к элементам композиции на плоскости относится точка… активность восприятия точки зависит от её ‘одиночества’ или сочетания с другими элементами»
Форма через силуэт и пятно задаёт эмоциональный и визуальный характер композиции.
2. Развитие выразительности через стилизацию и трансформацию
«Стилизация — … выявляются наиболее характерные черты предмета и отбрасываются ненужные детали… Трансформация — это изменение формы предмета…»
Автор учит вычленять суть образа и работать с формой исходя из замысла.
3. Контраст и читабельность форм
«Работа над силуэтом… — один из важнейших этапов… Контраст для прочтения формы обязателен… белый силуэт активнее действует на зрителя…»
Силуэт и контраст делают форму запоминающейся и выразительной.
4. Законы композиции: равновесие, единство, соподчинение
«Создавая произведение… необходимо выполнить два её непременных условия: первое – равновесие, второе – единство и соподчинение»
Гармония достигается лишь через баланс всех элементов.
5. Организация композиционного центра
«…внимание на организацию композиционного центра… центр несёт смысловую нагрузку… смещение относительно геометрического центра придаёт… напряжённость и выразительность»
Центру уделяется особое внимание: он задаёт построение и эмоциональный тон.
6. Роль пропорций в восприятии формы
«Особое значение… приобретают пропорции формы… сделали соотношение сторон… изменится ощущение устойчивости или лёгкости, движения»
Соотношение частей влияет на эмоциональное восприятие образа.
7. Симметрия и асимметрия — выразительные средства
«Симметрия… хороша для утверждающих тем… однако асимметричная композиция более живо воспринимается»
Голубева анализирует, когда симметрия поддерживает задумку или когда нужна живость асимметрии.
8. Контраст, нюанс и тождество — приёмы гармонизации
«Контраст, нюанс, тождество — это композиционные средства… Контраст и нюанс — взаимодополняющие… Гармония — это сочетание противоположностей»
Сочетание противоположных средств создаёт эмоциональный настрой и глубину образа.
9. Художественный образ — единство противоположностей
«Художественный образ… представляет собой… единство объективного и субъективного, логического и чувственного… содержания и формы… в единый, целостный художественный образ»
Закончив работу, художник соединяет противоположности в цельный выразительный образ.
Даглдиян — «Композиция»
Учебное пособие Калуста Даглдияна (Даглдияна К. Т.) и Бориса Поливоды «Абстрактная композиция» раскрывает суть композиции в абстрактном искусстве.
И.В. Гёте «Учение о цвете»
Книга Иоганна Вольфганга фон Гёте «Учение о цвете» («Zur Farbenlehre», 1810) это одна из самых необычных и поэтичных работ о цвете, противопоставленная научной оптике Ньютона.
И.В. Гёте «Учение о цвете»
Книга Иоганна Вольфганга фон Гёте «Учение о цвете» («Zur Farbenlehre», 1810) это одна из самых необычных и поэтичных работ о цвете, противопоставленная научной оптике Ньютона.
И.В. Гёте «Учение о цвете»
Книга Иоганна Вольфганга фон Гёте «Учение о цвете» («Zur Farbenlehre», 1810) это одна из самых необычных и поэтичных работ о цвете, противопоставленная научной оптике Ньютона.
Адриан Шонесси — Как стать дизайнером и не продать душу
Адриан Шонесси — дизайнер, преподаватель. Его книга — это честный разговор о профессии, деньгах, творчестве и этике.
- Дизайн — это не украшение
«Дизайн — это не просто сделать что-то красивым. Это способ решения проблем, коммуникации и придания смысла». Дизайн существует не ради эстетики, а ради функциональности. Если решение не работает, никакая “красота” его не спасет. - Клиенты не всегда правы
«Клиенты не всегда правы. Но они всегда клиенты». Умение вести переговоры и аргументировать свои решения — важный навык. Но помни: в конце концов, последнее слово за тем, кто платит. - Говори «нет» токсичным проектам
«Если клиент требует сделать уродливую вещь, спроси себя: готов ли ты за это брать деньги?». Не каждый заказ стоит твоего времени. Иногда отказ сохраняет репутацию и нервы. - Креативность — это дисциплина
«Дизайн — это 10% вдохновения и 90% потения». Ждать музу — бесполезно. Настоящий профессионал садится и работает, даже если не горит. - Не работай бесплатно
«Бесплатные проекты убивают профессию. Никогда не работай “для портфолио”». Бесплатный труд обесценивает не только тебя, но и всю индустрию. - Портфолио — это история твоего мышления
«Лучше показать три сильных проекта, чем десять посредственных». Качество важнее количества. Заполнять портфолио “для галочки” — плохая стратегия. - Деньги — не грязное слово
«Если ты не умеешь говорить о деньгах, ты всегда будешь работать за копейки». Финансовая грамотность так же важна, как и креативность. - Избегай токсичных студий
«Токсичная студия — как токсичные отношения. Беги, пока не стало поздно». Работа в угнетающей атмосфере убивает любовь к профессии. - Воруй как художник
«Копируй осознанно. Укради идею, но сделай её лучше». Ничто не создается с нуля. Главное — перерабатывать, а не слепо копировать. - Дизайн должен быть нужным
«Дизайн — это не про то, чтобы нравиться. Это про то, чтобы быть нужным».
Виктор Папанек — Дизайн для реального мира
Виктор Папанек — один из самых влиятельных дизайн-мыслителей XX века. Его книга «Дизайн для реального мира» (1971) — это манифест социально ответственного дизайна.
Будущее — за скромным дизайном. «Мы должны проектировать вещи, которые требуют меньше ресурсов, но делают жизнь лучше». Предвосхитил идеи устойчивого развития (sustainability). Почему это важно сегодня?
Экологичный дизайн — Папанек предсказал проблему перепотребления.
Инклюзивность — его идеи легли в основу универсального дизайна.
Этика профессии — «продажный дизайнер» vs «социальный дизайнер».
Книга жёсткая, провокационная, но обязательная к прочтению. Особенно для тех, кто верит, что дизайн может изменить мир к лучшему.
Дизайн — это не про эстетику, а про функцию.
«Дизайн — это осознанное и интуитивное усилие создать осмысленный порядок» Папанек настаивает: дизайн должен решать реальные проблемы, а не просто «делать красиво».
Дизайнер несёт ответственность
«Дизайнер несёт моральную ответственность за то, что он приносит в мир» Создавая бесполезные или вредные вещи, дизайнер вредит обществу.
Большинство дизайна — это мусор
«90% всего, что проектируется, производится и продаётся, — это хлам» Папанек критикует индустрию за перепроизводство ненужных вещей.
Настоящий дизайн — для всех
«Дизайн должен служить не только богатым, но и старикам, детям, инвалидам, бедным» Пример: его проекты для развивающихся стран (дешёвые протезы, образовательные игрушки).
Дизайн ≠ коммерция
«Реклама — это искусство заставить людей покупать то, что им не нужно» Он осуждает дизайн, который работает только на прибыль корпораций.
Природа — лучший дизайнер
«Бионика — это не копирование природы, а изучение её принципов» Папанек призывает учиться у естественных систем (например, энергоэффективность у пчёл).
Образование дизайнеров сломано
«Школы дизайна учат рисовать красивые картинки, а не думать» Вместо «стилей» он предлагает изучать антропологию, экологию и этику.
Дизайн должен быть ремонтопригодным
«Запланированное устаревание — это преступление против потребителя» Один из первых, кто раскритиковал технику, которую нельзя починить.
Лучший дизайн — незаметный
«Хороший дизайн растворяется в удобстве, плохой — кричит о себе» Пример: идеальная ручка — та, которую не замечаешь в руке.
Дональд Норман — Дизайн привычных вещей
Дональд Норман — когнитивный психолог и гуру UX-дизайна. В своей книге «Дизайн привычных вещей» (1988) он объясняет, почему мы ненавидим двери, которые надо толкать, и микроволновки с 50 кнопками. Вот 10 ключевых цитат, раскрывающих суть «хорошего дизайна».
- Если ошибся пользователь — ошибся дизайнер
«Когда вам кажется, что вещь «очевидна», а люди всё равно ошибаются — проблема не в них, а в дизайне» Пример: дверь с непонятной ручкой (тянуть или толкать?). - Принцип очевидности
«Хороший дизайн сообщает, как им пользоваться, без инструкций» Ножницы = отверстия для пальцев. Плохой дизайн требует пояснений. - Две модели в голове пользователя
«У людей есть «модель системы» (как это работает) и «модель действия» (что делать). Дизайн должен их совмещать» Пример: чайник со свистком (вы слышите, когда вода закипела). - Обратная связь — это важно
«Каждое действие должно получать видимый, слышимый или тактильный отклик» Кнопка лифта, которая загорается. Без этого мы жмём её 10 раз. - Ограничения предотвращают ошибки
«Физические ограничения (например, форма детали) не дают собрать что-то неправильно» USB-разъём можно вставить только одной стороной (хотя раньше это было не так!). - Психология ошибок
«Ошибки — неизбежная часть человеческого поведения. Дизайн должен их предвидеть» Пример: корзина в macOS — перед удалением файлов спрашивает подтверждение. - Проклятие знаний
«Дизайнеры знают слишком много о своём продукте и забывают, что пользователи — нет» Отсюда — меню с терминами, понятными только разработчикам. - «Скевоморфизм» vs «Плоский дизайн»
«Реалистичные текстуры (например, кожаный блокнот в iOS) помогают понять функцию» Но позже Норман признал: плоский дизайн тоже может быть интуитивным. - Эмоции в дизайне
«Красивый дизайн кажется более удобным — даже если это не так» Пример: люди охотнее пользуются стильными, но неудобными стульями. - Дизайн будущего
«Идеальный интерфейс — тот, которого не замечаешь» Умные дома, голосовые помощники — чем меньше действий, тем лучше.
Книга — обязательна к прочтению для дизайнеров, инженеров и всех, кто создаёт продукты для людей.
Пол Рэнд — «Мысли о дизайне»
Пол Рэнд (1914–1996) — легенда графического дизайна, создатель логотипов IBM, ABC и Next. Его книга «Мысли о дизайне» (1947) — это манифест модернизма и функциональности. Вот 10 ключевых цитат, которые объясняют суть «хорошего дизайна» по Рэнду.
- Дизайн — это не искусство, а решение
«Дизайн — это не личное самовыражение, а ответ на конкретную задачу» Рэнд отвергал «красоту ради красоты»: даже гениальный визуал бесполезен, если не работает. - Простота — это сложно
«Способность упрощать означает устранять ненужное, чтобы подчеркнуть необходимое» Его логотипы (IBM, UPS) — эталон минимализма с идеей. - Форма следует функции
«Эстетика — это не внешний декор, а органичное следствие структуры» Критика «украшательства»: если элемент не несёт смысла, его надо убрать. - Игра и эксперимент
«Дизайн — это игра воображения в рамках поставленной задачи» Его плакаты для IBM — баланс строгости корпоративного стиля и остроумных визуальных метафор. - Шрифт — это голос бренда
«Типографика должна быть нечитаемой, чтобы её заметили, и незаметной, чтобы её читали» Пример: логотип ABC (1962) — шрифт + круг = «телевизионный экран». - Контраст создаёт смысл
«Контраст форм, цветов и масштабов — это язык визуальной коммуникации» Его обложки для Direction — мастер-класс по динамичной композиции. - Юмор и метафора
«Дизайн должен удивлять, но не запутывать» Плакат «Велосипед» (1945): колесо + глаз = движение. - Логотип — это обещание
«Логотип обретает значение только через ассоциации с продуктом» Лого IBM стал символом надёжности не благодаря форме, а благодаря качеству компании. - Вдохновение везде
«Идеи приходят из детских книжек, японских гравюр, уличных вывесок — но не из дизайнерских журналов» Рэнд коллекционировал народное искусство и цитировал Клее. - Дизайн для людей
«Публика не идиотка. Она чувствует фальшь и ценит искренность» Отрицал «дизайн для дизайнеров»: если решение не понятно ребёнку, оно провалено.
Почему это актуально сегодня?
Логотипы — его принципы используют Apple и Google.
Минимализм — тренд на «упрощение» брендов
Этика — Рэнд ненавидел обман в рекламе.
Книга — короткая, но ёмкая. Подойдёт графическим дизайнерам, арт-директорам и всем, кто хочет понять разницу между «стилем» и «смыслом».